難以消除的影子－對繪畫的借鑑

　　當我們在藝術的範疇之內，討論各門類藝術的關係時，我認爲一個很重要的方面，就是你總可以在它們之間找到一種能夠引起共鳴的東西。 對美的嚮往，是人類的天性。

　　而在美的領域內，繪畫佔有很重要的地位，無論從它的起源，還是從它的發展看、它在人類的歷史文化上都起着重要的作用。 我們知道，攝影術的發明人達蓋爾是一名畫家；而攝影術發明後一段時間的攝影作品也大都是對繪畫的摹仿。

　　在當時，攝影作品中以繪畫的本體語言爲多。比如當時的人物攝影作品與油畫肖像作品就沒有多大區別。其後的在照片中進行的人物組合，以及有關佈局、光線的運用，都沒有脫離開繪畫的模式。一直到今天，繪畫與攝影都有着密切的聯繫。

　　所以，今天我們來討論攝影藝術的時候，如果要完全離開繪畫也不太可能。 今年是哈蘇相機誕生50週年。爲此，哈蘇公司開展了各種紀念活動，其中有一項規模很大的攝影比賽，就是要求攝影作品的表現形式以世界著名繪畫大師的風範爲準則。我並不以爲這種形式是當代攝影藝術的什麼導向，但它似乎可以說明攝影與繪畫在今天依然有着某種特殊的密切聯繫。也許可以風趣地說：160前的那個繪畫的幽靈一直纏繞在攝影的身旁。

　　當然，我們現在需要更多地弘揚攝影的本體語言、但同時我們也要從繪畫藝術中吸收豐富的營養。這之間並不矛盾，因爲繪畫有着幾千年的歷史，繪畫所給予人類的影響是極其深刻的。攝影畢竟年輕得多，比起繪畫的歷史，它要晚上若干個世紀。

　　所以，攝影從繪畫中吸收營養是必不可少的。當然，吸收並不等於照抄、照搬。摹仿作爲一種嘗試、一種練習是完全必要的，但在科技發達的今天，在藝術創作時仍然一味去摹仿，我認爲也是沒有出路的。 攝影藝術可以借鑑繪畫，但借鑑什麼?我認爲什麼都可以借鑑，關鍵是你怎麼去借鑑，借鑑多少，借鑑到什麼程度，這需由每個人自己去把握。

　　在對繪畫的借鑑中，我們可以從很多畫種中學到很多東西。 對於油畫，可借鑑的東西就相當多了。從中國風光攝影的發展中能夠明顯地看到這一點。油畫的特點。一個是厚重，油彩有一種與生俱來立體容積感；二是對光線變化的把握，比如人們所公認的倫勃朗用光。在高光、立體光和逆光的應用上是令人稱道的。我去盧浮宮時所看到的那些名畫、曾給我很多啓示。中國的風光攝影創作，有一段時間，順光、側光運用得多，逆光、高光相對運用得少，那可能是受過時的教科材料指導所致。研究一下近十年的中國風光攝影，如果說有什麼突破的話，除了對題材的拓寬外、很重要的一點就是在畫面中重視了對高光和逆光的運用，從而使作品產生一定的厚重感和立體感。實際上，對於光影效果的表現，攝影可以做得比繪畫更好，因爲攝影對光影的表達更加來得直接。 我們可以一目瞭然地從攝影的色調分離法中看出版畫的效果。色調分離所產生的浮雕效果，對攝影來說，現在很簡單，運用電腦，按一下鍵盤就輕而易舉地解決問題。色調分離，實際上就是篩減了很多過渡的層次，把畫面變成色塊和線條的相加。 貴州一些作者在照片‘上運用刀刻，這實際上是對木刻藝術的借鑑。 這都屬於表現手法和創作方法的問題，我認爲這些創作方法一定要和欲表達的內容相匹配，否則就可能產生一些風馬牛不相及的東西。

　　當然，對超寫實、荒誕等風格的作品，我不敢嘗試，我也從不排斥。 中國寫意山水畫對雲霧的表現非常巧妙，畫中的空白，有時就可被看作雲霧，表現得非常抽象，非常的淋漓盡致。寫意畫，在創作中，作者的手法很靈活，可以完全藉助於情緒，在繪畫過程中，其筆法隨着情緒的變化而變化，靈活性相當大，所以畫中的抽象成份也隨之增大。不知讀者是否注意到，在我的一些照片中留有大塊地黑，這就是一種對中國畫的借鑑。中國畫講究留自，但你若想自己的照片有重量感，就需要留黑。攝影在其整個過程中，從生產到曝光，到沖洗，到放大製作，是在黑暗中進行的。

　　所以。我認爲“黑”是一種藝術語言。繪畫藝術恰恰相反，是在一張自紙上作畫。我認爲，我的這一借鑑是一種相反的借鑑。 在攝影對中國畫的借鑑中。曾出現兩種風格。一種是以郎靜山爲代表的集錦式攝影作品另一種是採用簽名蓋章、落款題詞、做待的做法。對於後一種做法、我們承認確實有一些好的作品出現，但不可否認的是、這種做法也誤導了不少人。

　　我第一張發表的處女作《荷花》，就是以摹仿齊白石的國畫形式表達的。至今回想起來，二十多年前的這幅作品並不可笑、這是自己在起步階段、作爲習作拍攝的。但隨着時間的推移，我們不能總陶醉在習作或摹仿之中，我們需要尋找更多的創作方法和創作題材，找到自己的路子。我看到過很多大畫家的習作，比如李可染、徐悲鴻、劉海粟、吳作人等人的……其中還包括大量臨摹的東西。臨摹，是創作過程的一個必須經過的階段。攝影在開始階段需要去摹仿，但不能把摹仿和習作都當成自己的創作，摹仿的東西從根本上說是屬於他人而可不屬於自己的，而自己的東西是必須輸入自己的情緒、自己的觀念、自己的思維的。這就是藝術的價值之所在。我們說,通過臨摹和習作這樣一個必然的王國，攝影師才能真正進入到創作這樣一個自由的王國。 中國畫的簽名蓋章做法。用在攝影作品中。我認爲是可以的。但必須用得恰到好處。不能在任何情況下都用。也不能隨意在照片上題字。如果把書法也當作一門藝術的話。這時所題的字和照片纔有可能相得益彰，否則。就可能什麼都不是。鬧出笑話。當我們玩—種現代藝術的時候，我們要先自問一下。我們自己是否具備這種藝術功力。這是一個值得每位投身藝術的人思考的問題。所以，我認爲如果要談藝術，首先需要談的是藝術的嚴肅性。也就是說，我們在提倡借鑑時。我們也必須有一個嚴肅的態度。 關於流派的問題，我也想說一點。如果一個人拍了一兩張作品。相似於繪畫上的某某流派，我們就匆匆把它定爲該流派、我認爲是很不嚴肅的。這有礙於攝影的發展。使我們攝影很難成長起來。八十年代有人要把我定義爲什麼流派、我就堅決反對。在當今藝術的發展中、不過多的去談流派我認爲是很好的。流派，在繪畫方面是從文藝復興後到十九世紀，再到二十世紀談的比較多；攝影只有一百多年的歷史，我們也分那麼多的流派，我認爲不是很科學的，會使流派的語言趨向平淡。盲目地追求某種流派，也會耽誤一些人，耽誤了我們對影本體語言的理解。流派問題不是不可以談，但過早地把自己置於其中，就可能誤導自己。 我要說，近年來我們的攝影圈子裏又多了幾隻“狼”。就是從繪畫、從美術界有一些沒有經過專門攝影訓練的人，進入到攝影圈子裏，並且取得了很好的成績，我把這些人稱作“狼”。他們對我們這些拿照相機多年的人來說，會帶來很好的促進作用，把攝影圈子裏在創作上的一潭死水、一種語言、一種模式，變得豐富多樣，使我們意識到還有另外的一個嶄新的世界存在。它給我們以衝擊，給我們增加新的營養，產生新的思考，甚至於產生新的危機感。這些“狼”既有學繪畫的，也有從事工藝美術的、平面設計的、雕塑的，甚至園林藝術的。 所以，我們不要把攝影漢當作一門孤立的、與外界沒有聯繫的藝術，它有它自身的本體語言，但它又與外界有着千絲萬縷的關係。 當然，借鑑是相互的。由於攝影本體語言的發展，攝影表現手法更顯多樣，繪畫也在不斷向攝影借鑑。借鑑的目的是什麼?根本還是要發揚和光大，藝術是個人行爲，最終還是要體現個性。個性的凸顯，纔有可能實現攝影創作上的多樣化。