有這樣的說法，漢沽攝影界是兄弟藝術門類界人多勢眾、最有成績、最活躍的一撥。想想也是，這麼多人喜歡，這麼多人來湊熱鬧，這麼多人在談論著像素、影調、卡口、L頭、PS……真的，這麼多的人在發燒中，好像攝影藝術正逢繁花盛開之時。然而，這裡太熱了，我卻擔懮繁花背後是荒蕪，覺得攝影要在過熱中冷靜下來，快點兒。

　　藝術進步的動力之一在於批評，真正的藝術呼喚真刀真槍的批評，期待有理有據的責問，渴望善意真誠的鞭闢。那麼，就開始??

　　1、拍照片與搞攝影藝術是兩回事。從照相術的發明，迄今已有100多年的歷史，這段歷史中始終有兩條發展線路延續著。一是照相術的本意，把人和物照清楚，照得跟真的一樣，讓人看到圖片即刻聯想到那一瞬間的真實情景；二是照相術的引申意，用照相術為工具，附加上去和藝術有關的一些符號，如畸變、構成、節奏、韻律等，讓人從圖片中聯想開來，通過表層的符號進入深層語意，有所思考、有所啟悟、有所體驗。前者跟藝術沒有直接關系，後者則是藝術的基本審美特征。按照這樣一個公式往下推演，可以得出：照片藝術與否的標准，取決於接受者(觀賞人)是否享受到了藝術洗禮，有感覺，纔叫藝術，反之，就是偽藝術，甚至比老老實實說自己不是藝術作品的『立此存照』還垃圾、還可笑。

　　漢沽攝影有著較長的創作歷史，特別是在崔茂元先生的鼓舞引動之下，參展、獲獎的人真不少。但是，這並不意味著從群體上看我們已經達到了一個較高的水准。要讓別人認可群體的高水准起碼有三條：一是創作風格各異而整個審美傾向相對呈現主流脈胳並趨向成熟；二是創作群體對地域性題材的深刻領悟並有一定量的創新性作品；三是相對穩定的藝術沙龍性活動，不斷深入的理性討論和個性作品交流。在這三個基本方面我們都還很欠缺，所以冷靜下來說，茂元先生還只是一個人在戰斗，我們的整體火力還不夠強。經過一番自檢之後，我們會膽怯地從藝術攝影的高談闊論中撤出來，還是要偷著對自己說，我不是在搞藝術，就是在拍照片，好壞無所謂，看著玩兒唄。這有多好。

　　2、設備、技術和藝術屬於三個不同的層次。我有一種特別自信的直覺，只要有影友到一起，第一句話就問你：『哎老弟，你用啥機子？』，此兄便可直接被定位為低層次。這直覺很准的。

　　我因工作關系，接觸到影像專業。我請崔茂元、王建民及省市電視臺專業人士搞講座培訓，每次授課前，我都請求他們一定要講一下設備、技術、藝術三者之間的關系，引導大家把更多的注意力投入到技術進而藝術的追求上。我這樣認為：設備是工具，技術是手段，技術通過對設備的掌控和運用而相得益彰，技術可以挖掘設備的潛能，可以最終實現藝術的追求。藝術修養、藝術格調、藝術品質遠比技術和設備更重要、更關鍵，永遠是攝影(包括其它影像藝術)不懈追求的終極目標，熱衷於設備的不斷更新、滿足於技術的操作應用，說是搞藝術的，最多也只是個機械師、操作工。

　　攝影從開頭進入藝術門類的時候就伴隨著工藝性、機械性、操作性特征，這與書法、繪畫、文學、戲劇都不相同。玩攝影與玩成人玩具有些類似，有相當一部分人是衝著照相機好玩而搞起攝影的，這裡面充滿了機械性、操控性的趣味。特別是隨著數碼技術的發展，復雜的成像過程變得簡單化、固定化、程序化，你不需了解原理，不需明白過程，只要手指輕按，『?嚓』一下，搞定。照相的門檻太低了。但是，這一切跟藝術還是沒啥關系，科學技術是不可能替代藝術創作的。照相的門檻低了，而藝術的門檻並沒有低，反之，在這時，越發需要用藝術的尺子衡量作品，用個性的標准審度創作。

　　3、攝影圈裡的審美准則很混亂。這裡需要著重申明，任何藝術不可能用一個審美標准去衡量，恰恰相反，審美是動態的、是多向的、是繁復的，這裡所說的與攝影圈的審美混亂是兩回事。攝影存在著膠片與數碼混雜、紀實與風光同伍、電腦合成與客觀實景不分、黑白與彩色同臺的情形，這並不妨礙我們對藝術的審美標准來考量作品，問題在於我們卻用比賽的方式把這些不一樣來源、不一樣背景、不一樣構成、不一樣形態的東西放在一起PK，把原本風馬牛不相及的東西硬拉到一起比拼，這是對藝術的輕視、是對藝術的唾棄。這也難怪攝影界會不斷出現『假虎案』、『桑玉柱案』，這樣下去，說不定會有幾位『大師』的東西被PS後，新的拼湊品會重獲金像大獎，漓江之水或入松花、苗寨之女可秀傲包者乎？難道這不是攝影審美准則的混亂與迷茫、不是攝影對藝術的敗壞嗎？

　　攝影上的種種亂象是現代浮躁生活在藝術創作中的體現。搞藝術的必須經受苦悶的心理歷程，這纔成就了日本學者廚川白村的《苦悶的象征》，藝術必須是生命的體驗和人性的刻痕，這纔產生了周作人的『為人生的藝術』。而攝影它太容易被『玩』了，太容易『游戲並快樂著』了，人們又太容易忽略把思想裝進鏡頭、把觀念帶進畫面了，所以……

　　4、影像中的偶然與必然的關系。許多攝影人在海量的創作拍攝中，偶遇佳作便欣喜若狂，這種偶然是創作實踐的必然結果。還有一種情況在影壇也不少見，那就是瞎貓碰死耗子，就有那麼一個瞬間、景象被他抓住了，而且得了獎。一夜之間便自詡為攝影家了，被別人尊稱了『大師』了。這種偶然跟他藝術實踐的必然沒關系，跟『家』和『大師』沒有關系。比賽和展覽是交流的平臺，藝術不是雜技、更不是競技體育，不可能用一把尺子或幾個人的好惡來判定優劣，所以比賽和展覽的結果其實並不重要，別忒當回事，拿獲獎證書來證實自己藝術家的身份是愚昧的。多少藝術大家生前無人喝彩，多少名噪一時的『垂世之作』已無人記起。藝術永遠無情地剝離一切附加上去的色彩，還審美的純粹。

　　攝影藝術最珍貴的是瞬間，紀實作品當然好理解，即使是風光作品也要表現天地雲峰、江河日月的凝固時空，沒有動人心魄的瞬間，就沒有震撼力、沒有解析力。藝術是要通過獨特語匯形式來表達創作者心靈的，這種表達的媒介是藝術符號，接受者在閱讀符號中產生聯想。所以符號要打動人，必須帶有公共性，這樣大多數人纔能讀懂；符號還要個性化，這樣閱讀者纔知道是你而不是別人在敘述，達?芬奇和畢加索會畫出各自不同的向日葵。同理，在攝影界竟然會出現同樣雲彩、同樣山峰，還美其名曰『共同創作』，這是否離藝術也太遠了。

　　瞬間是必然中的偶然，攝影家鏡頭下的佳作卻是偶然中的必然。但願搞這玩藝兒的人們都以無數個偶然來證實自己的必然。

　　5、還是要有點想法。古人講到繪畫的時候，往往以『質』和『勢』加以評說。質是細節、是具象，勢是構成、是大形態，兩者之間既可兼得，也可有所側重。質與勢的結合會產生影像中兩個不同的『意味』，正像某文藝理論家提出的，藝術是有意味的形式。意味之一是由『質』產生的，是細節的質感，是銀鹽效果的展開和色彩的變幻；意味之二是由『勢』產生的，是空間的構成，是影調、形式和層次的比照。

　　說搞攝影要有點想法，就是要在意味追求上有想法，這想法並不一定是經天緯地的大思維，不一定是悲天憫人的大情感，更可貴的是瞬間感受，是對自然物象的理解和認知，把這種個性化的情緒裝上鏡頭，表現於畫面，這就叫有想法。這想法說上去容易，獲得它是很難的。首先有想法必須有感受，不跋山涉水、不親臨其境，無真感受可言；有想法必須有點文化，有對事物的深入理解和情感認知，不了解、不感動、不陶醉，就不能讓欣賞者讀懂你，正所謂以其昏昏安能使人昭昭。

　　攝影與那些與人類社會共生並進的藝術門類相比，顯得那樣年輕，那樣幼稚，中國攝影與發源地的藝術水准相比也顯得弱小而青澀。然而，我們不必自卑，因為我們文化背景中有五千年無比璀璨的偉大光芒，有令世人敬畏的審美主流和藝術能量，這是我們借用攝影藝術手段表現自家情懷的不竭源流，是我們重構中國攝影個性審美體系的根基。攝影期待著冷靜，期待著回歸，期待著擺脫紛爭與喧鬧，擺脫盲從與無序，擺脫無知與偏頗。

　　讓我們共同期待著。(劉振生)